Pintura

La pintura es el arte de la representación gráfica utilizando pigmentos mezclados con otras sustancias aglutinantes orgánicas o sintéticas. En este arte se emplean técnicas de pintura, conocimientos de teoría del color y de composición pictórica, y el dibujo. La práctica del arte de pintar, consiste en aplicar, en una superficie determinada —una hoja de papel, un lienzo, un muro, una madera, un recorte de tejido, etc.— una técnica determinada, para obtener una composición de formas, colores, texturas, dibujos, etc. dando lugar a una obra de arte según algunos principios estéticos.

Técnicas de pintura

Acuarela

Cuando el vehículo empleado para fijar el pigmento es, en la mayoría de los casos, goma arábiga y el solvente es el agua. Las acuarelas son pigmentos muy finamente molidos y aglutinados en goma arábiga, que se obtiene de las acacias. La goma se disuelve fácilmente en agua y se adhiere muy bien al papel (soporte por excelencia para la acuarela). La goma además actúa como barniz, claro y delgado, dando mayor brillo y luminosidad al color. En un principio la goma arábiga se usaba sola, pero más tarde se añadieron otros componentes para retrasar el secado y añadir transparencia. La acuarela requiere del artista seguridad en los trazos y espontaneidad en la ejecución, ya que su mayor mérito consiste en la frescura y transparencia de los colores. Son pinturas a base de pigmentos muy diminutos los cuales en la mayoría de los casos la acuarela es disuelta en agua y los colores son claros.

Gouache

Al gouache o "aguada" se le llama también "el color con cuerpo". Es una pintura al agua, opaca, hecha con pigmento molido menos fino que el de las acuarelas, y por ello es menos transparente. Al igual que la acuarela, su medio —o aglutinante— es la goma arábiga, aunque muchos gouaches modernos contienen plástico. El medio está ampliado con pigmento blanco, que es lo que lo hace más opaco, menos luminoso y menos transparente que la acuarela, pero a cambio los colores producidos son más sólidos.

Aerografía

En esta técnica se usan pinturas acrílicas en aerosol o sprays, además de esmaltes, ya que con este método la pintura se vuelve mucho más desgastada. Cuando a la pintura no se le incorporan estos difusores y se deja caer por gravedad esta técnica se denomina dripping

 Pintura al pastel

Los pasteles son pigmentos en polvo mezclados con la suficiente goma o resina para aglutinarlos formando una pasta seca y compacta. La palabra pastel deriva de la pasta con la que se elaboran estas pinturas. Esta pasta se moldea en la forma de una barrita del tamaño aproximado de un dedo, que se usa directamente sobre la superficie al trabajar (generalmente papel o madera). Son colores fuertes y opacos cuya mayor dificultad es la adhesión del pigmento a la superficie al pintar, por ello suelen usarse al finalizar el dibujo fijadores atomizados (spray) especiales. El pastel generalmente se usa como el "crayón" o el "grafito" (lápiz), y su recurso expresivo más afín es la línea con la cual se pueden hacer tramas. También suele usarse el polvo que tiende a soltar el pastel (semejante al de la "tiza") para aplicar color.

 Temple al huevo

Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente de yema de huevo, agua y aceite. Tradicionalmente se mezcla la yema con el agua y el aceite, pero también se puede formar una emulsión con harina e incluso con yeso. Grandes obras maestras como por ejemplo El nacimiento de Venus de Sandro Botticelli se han realizado utilizando la técnica del temple al huevo. y tiene textura uniforme .

Fresco

A menudo el término fresco se usa incorrectamente para describir muchas formas de pintura mural. El verdadero fresco es a las técnicas pictóricas modernas lo que el Latín es a los idiomas modernos. La técnica del fresco se basa en un cambio químico: los pigmentos de tierra molidos y mezclados con agua pura, se aplican sobre una argamasa reciente de cal y arena, mientras la cal está aún en forma de hidróxido de calcio. Debido al dióxido de carbono de la atmósfera, la cal se transforma en carbonato cálcico, de manera que el pigmento cristaliza en el seno de la pared. Los procedimientos para pintar al fresco son sencillos pero laboriosos, y consumen muchísimo tiempo. En la preparación de la cal se tardaba dos años.

Tinta

La presentación de la tinta, también llamada "tinta china", es generalmente líquida aunque también puede ser una barra muy sólida que debe ser molida y diluida previamente. Se usa sobre papel, y los colores de tinta más empleados son el negro y el "sepia", aunque actualmente se usen muchos otros más. La tinta se aplica de diversas maneras, por ejemplo con plumas o plumillas que son más adecuadas para dibujo o caligrafía, y no para pinturas. Las diferentes puntas de plumillas se utilizan cargadas de tinta para hacer líneas y con ellas dibujar o escribir. Otro recurso para aplicar la tinta es el pincel, que se maneja básicamente como la acuarela y que se llama aguada, no obstante la técnica milenaria llamada caligrafía o escritura japonesa también se realiza con tinta y pincel sobre papel. Otras formas más utilitarias de usar la tinta es en tiralíneas (cargador de tinta) o rapidograph. La tinta junto al grafito son más bien técnicas de dibujo.

La tinta neutra es una técnica frecuente en la restauración de pintura mural. Se utiliza cuando el restaurador se encuentra con grandes pérdidas y desconoce como era el original. Consiste en aplicar un color uniforme en la zona perdida, que no moleste en exceso y que entone con el colorido general de la obra.

Técnicas mixtas

Cuando se emplean diversas técnicas en un mismo soporte. El collage, por ejemplo, es una técnica artística (no pictórica por no ser pintada), se convierte en una técnica mixta cuando tiene intervenciones con gouache, óleo o tinta.

Como muestra de sus posibilidades artísticas, se cita la Técnica introducida por el pintor Carlos Benítez Campos desde principios de siglo, la cual consiste en pintar al óleo un acontecimiento cualquiera de la época, sobre el papel pegado de las noticias en prensa que lo publican.

Sería conveniente distinguir entre "procedimiento pictórico" y "técnica pictórica". Se entiende por procedimiento pictórico la unión de los elementos que constituyen el aglutinante o adhesivo, y los pigmentos. La forma de aplicar ese procedimiento pictórico se denomina "técnica pictórica".1

El Décollage designa a la técnica opuesta al collage.

Tatuajes

Tatuajes.

Un tatuaje es una modificación del color de la piel en el que se crea un dibujo, una figura o un texto y se plasma con agujas estériles que inyectan tinta o algún otro pigmento bajo la epidermis de una persona.

El tatuaje como forma de arte

Socialmente el tatuaje se delimita como una forma de expresión y esto lleva a convertirse en una forma de arte en la cual una persona es capaz de plasmar en una o varias imágenes una serie de ideas que hacen representativa a la persona que se está tatuando, y se toma al tatuador como el artista y a la piel como el lienzo. Es un proceso artístico en el cual aparecen tres actores la persona que tiene la idea aquel que lo plasma y la piel como elemento en el cual se plasma aquella idea, la concepción de esta idea igualmente que la relación existente entre el erotismo y el tatuaje fue concebida desde la antigüedad donde el tatuaje apareció como un ritual artístico donde la imagen no tenia gran valor pero si la tenía la acción de tatuar se de este modo aunque se sigue percibiendo el echo y la forma de tatuar se como un arte la imagen juega gran papel dentro de la relación existente entre el arte y el tatuaje.

Festivales de tatuajes

EMILIO GONZALEZ

Gran variedad de modificaciones del cuerpo hechas por el famoso Emilio González, quien en su mayoría ya conocen por haber aparecido en el programa de televisión TABÚ, quien tiene una tienda llamada Mithos Tattoo, reconocida internacionalmente, aseguran ser la mejor tienda de Venezuela, con los mejores equipos y el personal más calificado,  también en la tienda tienen a la venta los materiales para tatuar, las máquinas, las tintas, entre otros. También es el organizador del  festival en Venezuela ‘Expo tattoo’.

Anualemente en diversos lugares del mundo se realizan festivales de tatuajes en los que asisten personas que se han tatuado la mayor parte de su cuerpo o se han hecho transformaciones físicas por este medio de expresión artística. Algunos de estos famosos personasjes son:

LA MUJER VAMPIRO

La mujer vampiro lleva su historia de vida en la piel.

No se puede negar que pararse al lado de María José Cristerna, "La Mujer Vampiro”, intimida. Su extravagante apariencia cubierta de tatuajes, varios piercings en su rostro, implantes de titanio que simulan cuernos, sus impresionantes ojos y colmillos modificados de su propia dentadura, impresionan.

Pero conversar con esta abogada y tatuadora mexicana es aún más sorprendente, por el hecho de apreciar a una mujer más coherente y centrada que cualquier otra que no tenga ni un piercing.

ZOMBIE BOY

Rick Genest, también conocido como Zombie Boy, es un modelo de Montereal, nacido en 1985.

Mas conocido por su apodo que por su nombre, no extraña el motivo.

Tiene la mayor parte del cuerpo tatuada, caracterizada como un cadáver, de ahí su apodo. Comenzó tatuándose a los 17 años (con el tatuador Frank Lewis, que es el que le ha tatuado la mayor parte del cuerpo), por respeto a su padre, y decidió convertirse en Zombie Boy por un significado mas allá de la estética.

A los 15 años tuvo que decidir quería vivir o morir, pues le tenían que extirpar vía oral un tumor cerebral, y le dijeron que no tenia ninguna posibilidad de salir de la operación. Al sobrevivir, decidió que la vida es algo demasiado frágil como para vivirla de una forma convencional, y comenzó con la transformación.

EL HOMBRE TABLERO DE AJEDREZ

El estadounidense Matt Gone, "El Hombre Tablero de Ajedrez”, antes de llegar al país para la expo tattoo en Venezuela y mostrar las exuberancias de su cuerpo, respondió las siguientes inquietudes:

-¿Por qué tatuarse de tablero de ajedrez, qué lo indujo a eso?

-Los cuadros están en todos lados, son todo un estilo. Los elegí porque nadie lo había hecho antes. Yo soy el original y único tablero de ajedrez humano en la historia.

-¿Qué defectos físicos ha disimulado con tatuajes? 

-Me falta un músculo del pecho y del brazo. Además mi torso tiene defectos, el hombro y el brazo, también cojeo un poco al caminar.

-¿Cómo ha sido la evolución del tatuaje en los últimos cinco años?

 -Veo lo bueno y lo malo. El arte del tatuaje ha crecido bastante los últimos cinco años. La gente sigue creciendo en el arte en general. Hay arte muy bueno, como muy malo; lamentablemente hay más tatuajes malos que antes. Tatuarse se ha convertido en una moda, más que en arte para algunas personas. También veo muchos más tatuajes grandes y originales que hace cinco años.

-¿Qué es lo mas extraño que se ha tatuado?

-El tatuaje más raro que he experimentado fue el que me hice adentro de la boca con una aguja hipodérmica, en la lengua, y gran parte del interior de mi boca. He experimentado con tatuajes poco comunes por unos 20 años.

A continuación, se hablarán de más amplios temas sobre el arte, en los cuales estarán: El retrato de personas, Tatuajes, Pintura, Arquitectura... entre otros.

Dibujar retratos de personas.

Las cabezas tienen forma de huevo (más o menos)

LINEAS HORIZONTALES

Dividir el huevo en dos, la otra mitad en dos y la otra mitad en dos, o sea tres rayas (a, b, c).

Los ojos van a la mitad de la cabeza o del huevo en este caso (a).

Divide la línea de los ojos en 5 partes iguales y tendrás la proporción perfecta tamaño ojo (hueco, ojo, hueco, ojo, hueco).

Las orejas van a la altura de los ojos (menos mal porque sino no habría manera de sujetar unos lentes).

La nariz va en la otra mitad (b).

La boca en la otra mitad (c).

LINEAS VERTICALES

Donde empiezan los ojos están los extremos de la nariz.

Las pupilas van al final de la boca.

MATERIALES

·         Hoja (tamaño carta).

·         Lápiz. Da igual cual, cuando hagas varios retratos te entraran las manías del hb, 4b, 2H ,etc por ahora se feliz con un único lápiz.

·         Goma. Esto fundamental.

·         Foto. De primeras mejor una foto porque podrás medir mejor las proporciones. Cuando seas un artista ya podrás poner un modelo delante.

·         Regla.

 PROCESO

Foto ejemplo para el retrato.

 

El boceto.

De un buen boceto depende un buen dibujo y en el caso de los retratos el boceto es lo principal, puesto que será el que nos “guíe” a través de todo el proceso. Por tanto es muy importante dedicarle un buen rato hasta que los resultados sean satisfactorios. Por norma general, lo primero que hago es trazar una línea que nos marcará la posición de los ojos, para ello utilizaremos el lápiz B sin apenas apretar contra el papel. Perpendicular a esta trazaremos otra línea que nos determinará la posición de la nariz y la altura de la cara. Estas dos líneas podemos trazarlas de igual forma sobre la foto original para que nos ayude mejor a ver donde va cada cosa. Repito que estas líneas guía son algo opcional que en este caso sí las he dibujado para que se vea más claro, pero con el tiempo dejas de hacerlas y las “ves” mentalmente.

2. PROPORCIONES

Los ojos.

Empezamos con lo bueno, el sombreado. Como en el caso del boceto, siempre empiezo por los ojos, ya que si no consigo que se parezcan al retratado y no “miren” no sigo con el dibujo y empiezo de nuevo. Es muy importante conseguir unos buenos ojos, unos ojos que no sean demasiado grandes en comparación con la cara (típico error al principio), que no parezcan ojos de pez y que tengan brillo.

Paso 2:

Dibujamos ahora el resto del iris, teniendo en cuenta que en la parte superior deberá ser más oscuro por la sombra producida por el párpado. Marcamos también las sombras en el globo ocular para que adquiera volumen y empezamos a marcar las sombras más oscuras alrededor del ojo, correspondientes a la arruga que forma el párpado, pestañas y arrugas en la comisura del ojo.

Paso 3:

A continuación delimitamos el párpado inferior mediante la línea de las pestañas y comenzamos a sombrear suavemente el párpado. Para ello podemos ayudarnos del dedo o de un difumino y conseguir así un efecto más suave. No debemos preocuparnos en exceso ahora por la oscuridad de las sombras, puesto que en todo momento y según vayamos avanzando habrá que valorar si necesita o no más sombra.

Paso 4:

Aquí es donde conseguiremos dar mayor vida al ojo. Para ello añadimos el brillo correspondiente en la pupila, utilizando creta blanca, en el globo ocular para simular la humedad del ojo y en ciertos puntos del párpado inferior. Como se puede apreciar en la imagen, el resultado empieza a ser realista.

Paso 5:

Realizamos todo lo anteriormente dicho sobre el ojo de la derecha para obtener la mirada del personaje.

La nariz

Ahora es el turno de la nariz, un elemento relativamente sencillo pero que se puede cargar una carga fácilmente. Los principales errores que se cometen a la hora de dibujar narices son, hacerlas demasiado largas, demasiado estrechas o incluso demasiado derechas, ya que una gran mayoría de la gente tiene la nariz ligeramente torcida. Este rasgo, deberemos tenerlo siempre en cuenta a la hora de realizar el retrato.

Comenzamos a marcar las primeras sombras de la nariz de House así como la forma de las aletas. Para ello utilizaremos el mismo lápiz 3B, insistiendo más en aquellas zonas de sombra más dura.

Es muy importante fijarse bien en la forma de las aletas de la nariz y en su anchura, que por norma general suele coincidir con el espacio entre ojos.

Una vez que tenemos aplicadas las sombras, pasamos a darle ligeros brillos a lo largo de la nariz y especialmente en la punta, para conseguir de esta manera que la nariz tome volumen y se “venga” hacia nosotros.

También, como puedes observar he marcado la sombra proyectada sobre el labio superior para conseguir mayor efecto tridimensional.

Llegados a este punto, habitualmente haría la boca, pero en este caso he preferido pasarme a la frente para tener una visión en conjunto de la parte superior de la cabeza.

Comienzo por insinuar las arrugas de la frente con trazos suaves y sin calcar demasiado, se trata de arrugas no de surcos hechos a cincel…..También voy dando volumen a las sienes mediante la aplicación de las sombras.

A continuación empiezo a aplicar las primeras luces en la frente, las aplico de forma suave y siempre teniendo en cuenta la dirección de la luz, Como en este caso la luz es de tipo cenital, las luces de las arrugas deberán estar por debajo de las sombras de las mismas, produciendo así un efecto de volumen muy conseguido.

Mandíbula y Boca

Ahora que ya tenemos listos los ojos y nariz, pasamos a la parte inferior de la cara, es decir, la mandíbula y por supuesto la boca. Esta parte de la cara suele dar muchos quebraderos de cabeza ya que puede hacer que una cara pierda todo el gesto. Lo más importante es tener en cuenta el tamaño de la boca, el grosor de los labios y sobre todo el gesto de esos labios.

La cosa aún se complica más si la boca está abierta y muestra los dientes porque estos pueden quedar muy falsos o muy dibujados en un retrato Pero vamos a los importante, a la cara de House.

Empiezo por definir mediante sombreados suaves con un lápiz 3b, la forma de la cara y pómulos para ir centrando la boca. Empiezo a definir la línea de la boca y comisuras, fijándome bien en la forma original. Continúo definiendo el labio superior que por norma general deberá tener más sombra que el labio inferior. Conviene darse cuenta que en el caso del amigo House su labio superior es prácticamente inexistente. Una vez listo el labio superior empiezo con el inferior, definiendo las sombras (más cercanas a la boca) y las pequeñas arruguillas que tienen los labios y que destacarán más cuando apliquemos las luces.

A estas alturas todavía veremos rara la boca, debido principalmente a que en este caso el retratado tiene barba y hasta que no la veamos hecha, lo veremos diferente. Aplicamos las luces con prudencia y sin excedernos.

Boca, más o menos definida, tendremos que volver a ella a lo largo del trabajo de la cara para ir redefiniéndola pero esto ya nos sirve de punto de partida.

Empezamos con el trabajo de ponerle barba, así que vamos definiendo las sombras primero y luego nos dedicaremos a detalles ciertos pelos para producir la sensación de de barba real. Sombreo la zona del bigote, teniendo en cuenta que al ser barba de pocos días, no cubre por completo la cara y por tanto se aprecia las formas y arrugas. Seguimos con la parte en sombra bajo el labio inferior y sombreando la musculatura en torno a la boca.

Y ahora viene la mejor parte, aquí es cuando veremos si hemos conseguido crear el efecto de barba. Con un lápiz más blando, por ejemplo un 6B, definimos ciertos pelillos dentro de la barba, especialmente en las zonas más oscuras. Con la goma abrimos algunos huecos en las zonas de sombra y con la creta blanca trazamos otros pelillos blancos que simularán las canas. Para obtener trazos finos, lo mejor es afilar la creta con un cutre.

Si todo ha ido bien, el resultado será algo parecido a esto.

El pelo

Ya estamos llegando al final del curso. En esta lección veremos como hacer el pelo de House y ya sólo nos quedará una lección más en la que remataremos cuello y ropa.

El pelo siempre es un tema complicado de hacer. Yo soy de los que trato de integrar el pelo en el retrato sin que tenga demasiado protagonismo y se lo robe a lo principal del retrato, la cara.

En el caso de House, la dificultad es doble, ya que como se puede apreciar en la foto, lleva el pelo alborotado, con lo que nos complica la vida.

Empecemos por oscurecer la zona de la patilla, para contrastar con el resto de la cara.

El siguiente paso que he seguido es el de hacer la oreja izquierda para ir cubriéndola poco a poco con pelo. En este caso, la oreja apenas tiene dificultad ya que casi no se aprecia.

Continúo dibujando las zonas más oscuras del pelo, evitando en lo posible el hacer manchas demasiado rectas o el caer en el error de principiante de dibujar pelo a pelo, lo que además de ser un trabajo de chinos, produce resultados artificiales. Lo mejor es tratar el pelo como una masa con sus luces y sombras y luego, en lugares puntuales, dibujar pelos sueltos que simulen la sensación de ser un conjunto de pelo.

Ahora llega el momento más divertido, aquí dependiendo de la habilidad de cada uno con el lápiz, utilizaremos el lápiz más blando y la creta blanca e iremos trabajando el pelo a mechones, introduciendo brillos y sombras, intentando no mancharse entre ellas.

Y por último terminamos la oreja derecha siguiendo el mismo esquema de luces y sombras del resto de la cara. Y listo, la cabeza de House completa…

rematando el dibujo de House.

Terminado el trabajo principal con la cara, no se debe descuidar los detalles y debemos terminar el retrato con la misma calidad con la que hemos hecho todo lo demás. En el caso de la foto de House utilizada , podemos ver que apenas se puede apreciar los hombros y el cuello, por lo que decidí dibujarlos yo mismo. Para ello me basé en la imagen descuidada de la que suele hacer gala y procedí a dibujar la ropa con la que suele salir, que es, camiseta, camisa desabrochada y chaqueta o americana.

Una vez hecho el boceto de la ropa, comienzo por el sombreado del cuello. Decido darle una sombra bastante fuerte producida por la iluminación cenital sobre la cara.

Como se puede apreciar en la foto, además de esta sombreado bastante fuerte, simulo ciertos pelillos de la barba en la parte derecha del cuello.

A continuación empiezo por la camiseta a la que doy un primer sombreado general, sobre la que obtengo luces a base de goma y le dibujo pequeños detalles como el cuello y costuras.

Le toca el turno a la camisa. Para evitar que quedase demasiado soso el conjunto de camiseta y camisa, decidí añadir a la camisa unas líneas blancas modo de dibujo. Como podeis observar el sombreado de la camisa es bastante sutil salvo en la parte del fondo del cuello de la camisa, donde he sombreado con más fuerza para guardar la concordancia con la sombra del cuello.

Dibujo final de un retrato:

Arte óptico

ARTE ÓPTICO

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

 

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Seguna Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa

Personales

Nada profesional.

Arte cinético

ARTE CINETICO

El arte cinético, es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.

ESCULTURA CINÉTICA

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la esculturadonde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calderinventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.

Grandes artistas

 VICENT VAN GOGH.

 Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores.

aLGUNAS DE SUS OBRAS :
  

Picasso

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Algunas de sus obras:

    

Eduard Munch

Eduard Munch (1863-1944) es sin duda uno de los referentes más importantes del Expresionismo, movimiento que surge en Alemania en los primeros años del siglo XX. El artista noruego comienza su obra con un estilo más bien convencional y recorre las vías del simbolismo de moda hacia el final del siglo XIX, antes de llegar al Expresionismo con el que se consagra. Entre sus obras más conocidas está "El grito" (1893), nacida bajo el signo del desánimo y la angustia. En ella expresa su propio drama existencial: "¿Por qué no soy como los otros? ¿Por qué hay una maldición sobre mi cuna? ¿Por qué estoy en el mundo sin elección alguna?" Pero el artista encuentra en el arte no sólo un medio de expresión de sus problemas, sino también el sentido mismo de su vida. Munch refleja el espíritu de fin del siglo XIX, caracterizado por un profundo sentimiento de desilusión hacia una Europa fuertemente progresista, con las contradicciones y miserias que este mismo proceso acarrea.

Algunas de sus obras:

 

 

Velázquez

Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas.

Algunas de sus obras:

   

Dalí

Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que vampirizó innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los relojes blandos, realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental a un autoproclamado linaje arábigo, que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

   

Miguel Ángel:

Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

  

Leonardo da Vinci:

Fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 14522 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. 
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas.

   

Goya

Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

  

Gustav Klimt:

(14 de julio, 1862 – 6 de febrero, 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,2 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

  

Wassily Kandinski:

(Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.