Arte óptico

ARTE ÓPTICO

El Op art, también conocido como optical art, es un estilo de arte visual que hace uso de ilusiones ópticas.

 

En las obras de op art el observador participa activamente moviéndose o desplazándose para poder captar el efecto óptico completamente, por tanto se puede decir que no existe ningún aspecto emocional en las obras. Los elementos dominantes del arte óptico son: líneas paralelas rectas o sinuosas, los contrastes cromáticos marcados, ya sean, poli o bi-cromáticos, los cambios de forma o tamaño, la combinación o repetición de formas o figuras; también utiliza figuras geométricas simples como rectángulos, cuadrados, triángulos o círculos. Tras la Seguna Guerra Mundial aparece una nueva generación de artistas abstractos. No sólo se preocupan por comunicar con sus obras un sentimiento, sino que exigen del espectador una actitud activa

Personales

Nada profesional.

Arte cinético

ARTE CINETICO

El arte cinético, es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.

Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la escultura donde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras.

ESCULTURA CINÉTICA

El arte cinético y el arte óptico son corrientes artísticas basadas en la estética del movimiento. Está principalmente representado en el campo de la esculturadonde uno de los recursos son los componentes móviles de las obras. Pictóricamente, el arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas, en la vibración retiniana y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas. Op Art. Las primeras manifestaciones de arte cinético se dan en los años 1910, en el movimiento futurista y en ciertas obras de Marcel Duchamp. Más adelante, Alexander Calderinventa el móvil, un tipo de escultura formada por alambre y pequeñas piezas de metal suspendidas que son movidas ligeramente por el desplazamiento del aire ambiente. La expresión arte cinético es adoptada hacia 1954, para designar las obras de arte puestas en movimiento por el viento, los espectadores y/o un mecanismo motorizado.

Grandes artistas

 VICENT VAN GOGH.

 Vincent Van Gogh produjo todo su trabajo (unas 900 pinturas y 1.600 dibujos) durante un período de solamente 10 años (etapa de 1880-90) hasta que sucumbió a la enfermedad mental (posiblemente un trastorno bipolar o un síndrome de epilepsia). Decidió ser pintor cuando tenía 27 años y siempre quiso reflejar la vida en sus obras. Su carrera pictórica está marcada por los lugares donde vivió y trabajó. Así se aprecia en la primera etapa de los Países Bajos (1880-1886), donde la pintura tradicional y popular de este país, exclusivamente en colores terrosos, fueron lo que más influyó en obras como Los comedores de patatas y las pinturas sobre los tejedores.

aLGUNAS DE SUS OBRAS :
  

Picasso

Figura excepcional como artista y como hombre, Picasso fue protagonista y creador inimitable de las diversas corrientes que revolucionaron las artes plásticas del siglo XX, desde el cubismo hasta la escultura neofigurativa, del grabado o el aguafuerte a la cerámica artesanal o a la escenografía para ballets. Su obra inmensa en número, en variedad y en talento, se extiende a lo largo de más de setenta y cinco años de actividad creadora, que el pintor compaginó sabiamente con el amor, la política, la amistad y un exultante y contagioso goce de la vida.

Algunas de sus obras:

    

Eduard Munch

Eduard Munch (1863-1944) es sin duda uno de los referentes más importantes del Expresionismo, movimiento que surge en Alemania en los primeros años del siglo XX. El artista noruego comienza su obra con un estilo más bien convencional y recorre las vías del simbolismo de moda hacia el final del siglo XIX, antes de llegar al Expresionismo con el que se consagra. Entre sus obras más conocidas está "El grito" (1893), nacida bajo el signo del desánimo y la angustia. En ella expresa su propio drama existencial: "¿Por qué no soy como los otros? ¿Por qué hay una maldición sobre mi cuna? ¿Por qué estoy en el mundo sin elección alguna?" Pero el artista encuentra en el arte no sólo un medio de expresión de sus problemas, sino también el sentido mismo de su vida. Munch refleja el espíritu de fin del siglo XIX, caracterizado por un profundo sentimiento de desilusión hacia una Europa fuertemente progresista, con las contradicciones y miserias que este mismo proceso acarrea.

Algunas de sus obras:

 

 

Velázquez

Diego Velázquez, fue un pintor barroco, considerado uno de los máximos exponentes de la pintura española y figura indiscutible de la pintura universal.

Pasó sus primeros años en Sevilla donde desarrolló un estilo naturalista de iluminación tenebrista por influencia de Caravaggio y sus seguidores. Se trasladó a Madrid y a los 24 años fue nombrado pintor del rey, y cuatro años después fue ascendido a pintor de cámara, el cargo más importante entre los pintores del rey. A esta labor dedicó el resto de su vida. Su trabajo a partir de entonces consistía en pintar retratos del rey, de su familia, así como otros cuadros para decorar las mansiones reales. Su estilo evolucionó hacia una pintura de gran luminosidad con pinceladas rápidas y sueltas.

Algunas de sus obras:

   

Dalí

Fue un pintor español considerado uno de los máximos representantes del surrealismo.

Dalí es conocido por sus impactantes y oníricas imágenes surrealistas. Sus habilidades pictóricas se suelen atribuir a la influencia y admiración por el arte renacentista. También fue un experto dibujante. Los recursos plásticos dalinianos también abordaron el cine, la escultura y la fotografía, lo cual le condujo a numerosas colaboraciones con otros artistas audiovisuales. Tuvo la habilidad de forjar un estilo marcadamente personal y reconocible, que en realidad era muy ecléctico y que vampirizó innovaciones ajenas. Una de sus obras más célebres es La persistencia de la memoria, el famoso cuadro de los relojes blandos, realizado en 1931.

Como artista extremadamente imaginativo, manifestó una notable tendencia al narcisismo y la megalomanía, cuyo objeto era atraer la atención pública. Esta conducta irritaba a quienes apreciaban su arte y justificaba a sus críticos, que rechazaban sus conductas excéntricas como un reclamo publicitario ocasionalmente más llamativo que su producción artística. Dalí atribuía su amor por todo lo que es dorado y resulta excesivo, su pasión por el lujo y su amor por la moda oriental a un autoproclamado linaje arábigo, que remontaba sus raíces a los tiempos de la dominación árabe de la península ibérica.

   

Miguel Ángel:

Miguel Ángel, fue un escultor, arquitecto y pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica.

Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médicis de Florencia, y los diferentes papas romanos.

  

Leonardo da Vinci:

Fue un pintor florentino y polímata (a la vez artista, científico, ingeniero, inventor, anatomista, escultor, arquitecto, urbanista, botánico, músico, poeta, filósofo y escritor) nacido en Vinci el 15 de abril de 14522 y fallecido en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 años, acompañado de su fiel Francesco Melzi, a quien legó sus proyectos, diseños y pinturas. Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Boloña y Venecia, y pasó los últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I. 
Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, sólo se conocen una quincena de sus obras, debido principalmente a sus constantes (y a veces desastrosos) experimentos con nuevas técnicas.

   

Goya

Zaragoza, 30 de marzo de 1746 – Burdeos, Francia, 15 de abril de 1828) fue un pintor y grabador español. Su obra abarca la pintura de caballete y mural, el grabado y el dibujo. En todas estas facetas desarrolló un estilo que inaugura el Romanticismo. El arte goyesco supone, asimismo, el comienzo de la Pintura contemporánea, y se considera precursor de las vanguardias pictóricas del siglo XX.

Una grave enfermedad que le aqueja en 1793 le lleva a acercarse a una pintura más creativa y original, que expresa temáticas menos amables que los modelos que había pintado para la decoración de los palacios reales. Una serie de cuadritos en hojalata, a los que él mismo denomina de capricho e invención, inician la fase madura de la obra del artista y la transición hacia la estética romántica.

Además, su obra refleja el convulso periodo histórico en que vive, particularmente la Guerra de la Independencia, de la que la serie de estampas de Los desastres de la guerra es casi un reportaje moderno de las atrocidades cometidas y componen una visión exenta de heroísmo donde las víctimas son siempre los individuos de cualquier clase y condición.

  

Gustav Klimt:

(14 de julio, 1862 – 6 de febrero, 1918) fue un pintor simbolista austríaco, y uno de los más conspicuos representantes del movimiento modernista de la secesión vienesa. Klimt pintó lienzos y murales con un estilo personal muy ornamentado, que también manifestó a través de objetos de artesanía, como los que se encuentran reunidos en la Galería de la Secesión vienesa. Intelectualmente afín a cierto ideario romántico, Klimt encontró en el desnudo femenino una de sus más recurrentes fuentes de inspiración. Sus obras están dotadas de una intensa energía sensual, reflejada con especial claridad en sus numerosos apuntes y esbozos a lápiz,2 en cierto modo herederos de la tradición de dibujos eróticos de Rodin e Ingres. Klimt se convirtió en un personaje muy notable en la alta sociedad vienesa, y estuvo relacionado de un modo u otro con los más notables círculos intelectuales del momento, en una época en la que Viena estaba dejando de ser la capital mundial del arte.

  

Wassily Kandinski:

(Moscú, 4 de diciembre de 1866 - Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) fue un pintor ruso, precursor de la abstracción en pintura y teórico del arte, con él se considera que comienza la abstracción lírica.

En De lo Espiritual en el Arte, habla de una nueva época de gran espiritualidad y de la contribución de la pintura a ella. El arte nuevo debe basarse en un lenguaje de color y Kandinski da las pautas sobre las propiedades emocionales de cada tono y de cada color, a diferencia de teorías sobre el color más antiguas, él no se interesa por el espectro sino sólo en la respuesta del alma.

  

Arte escénico

arte escenico.

El ilusionismo 

El ilusionismo, vulgarmente denominado magia, es un arte escénico , subjetivo, narrativo y espectáculo de habilidad e ingenio, que consiste en producir artificialmente efectos en apariencia maravillosos e inexplicables mientras se desconoce la causa que los produce. Estos efectos (desapariciones, transformaciones, uniones, lecturas de la mente, etc), que fingidamente hacen parecer realidad lo imposible, se conocen como efectos, juegos de magia, ilusiones y vulgarmente como trucos de magia.

ILUSIONISMO. "Truco del clavo doblado"

Efecto: el presentador se acerca a un grupo de personas y les cuenta de su capacidad para doblar metales. Para demostrarlo muestra un clavo de unos 10cm. A la vista de todos el clavo comienza a doblarse hasta llegar a unos 90 grados aproximadamente. Sin hacer movimientos extraños, le pide a uno de los espectadores que tome al clavo de sus extremos e intente seguir doblandolo o enderezarlo pero no lo consigue. Sin más, el mago suelta el clavo y el espectador lo examina.

 Materiales necesarios:Necesitas un clavo trucado que se separa a la mitad por medio de una rosca (podes conseguirlo en el bazar o en tiendas de magia)Otro clavo del mismo tamaño y forma pero sin trucar, el cual deberás doblar hasta unos 90 grados. (Si compras el trucado, te trae el normal también)

Presentación:Para empezar, comentas de tus habilidades y muestras el clavo trucado (que se encuentra atornillado y, por ende, parece un clavo común). Una vez que ya lo vieron, tienes que lograr desarmarlo (solo con una mano; la que sostenía el clavo mientras la charla). Esto lo logras fácilmente ya que la rosca te lo permite. Mientras, explicaste algo sobre la telekinesis (doblar metales con la mente). Esto es una exelente misdirecction!Ahora bien, estás frente al público con el clavo desarmado en una mano (solo deberá verse la parte de arriba del clavo, para que no se note que está desarmado). Con la otra mano, tienes que robar el clavo real del bolsillo (el que está doblado) y sujetarlo con tres dedos (Indice y mayor, por el frente, y pulgar por detrás) de manera que sólo se vea la parte inferior del clavo (la punta) por debajo de los dedos, y la cabeza esté oculta por los dedos del frente.Rápidamente, llevas la cabeza que tienes del clavo trucado hasta la otra mano, y lo tomas con los dedos sobre el clavo real (de esta manera parece que sostienes el clavo "real" que previamente mostraste).Ahora estas en condiciones para empezar a realizar el efecto. Solo debes relajar la presión del pulgar y el índice, para que la cabeza del clavo trucado empiece a caer (a "doblarse").Mientras presentas el doblado, la otra mano descarga la punta del clavo trucado en algún lado (bolsillo).Después de que el clavo se dobló lo suficiente, tomas la cabeza del clavo y la doblas para que quede oculta en la mano (debe quedar paralela a la cabeza real). Para el público solo giraste el clavo. Le pides a alguien que sostenga la punta que ¡siempre! estuvo a la vista, y vuelves a girar el clavo, pero esta vez levantas la cabeza verdadera.En ese momento pídele que tome al clavo de los dos extremos e intente seguir doblándolo, no podrá, claro. Luego suelta el clavo y mientras examinan descarga la cabeza (que aún sostienes oculta en la mano) en otro bolsillo.

Arte urbano

Arte urbano.

El término arte urbano o arte callejero, traducción de la expresión inglesa street art, hace referencia a todo el arte de la calle, frecuentemente ilegal. El arte urbano engloba tanto al grafiti como a diversas otras formas de expresión artística callejera. Ahora en el 2014 en la actualidad siglo 21 ya es posible todo, incluso dibujar en forma experta 3D.

Este tipo de arte es utilizado en todas partes del mundo, en algunos lugares es considerado ilegal, pero a mi opinión personal es una forma de expresión artística increíble usada respetuosa y moderadamente.

 

Técnicas de dibujo.

Los Materiales del dibujo

1. *Carboncillos, barras de carbón, lápices de grafito, tintas, rotuladores, lápices de color, barras o lápices de pastel e incluso pinceles para dibujar…
2. *El caballete con tablero para grandes formatos. *También se utilizan las mesas de dibujo, que tienen una inclinación más baja cerca del dibujante. Para evitar las deformaciones y tener más comodidad al dibujar hemos de intentar que nuestra vista sea perpendicular al papel. El papel se fija en el tablero con chinchetas o celo de papel.
3. *Los papeles para dibujo. Los más famosos son Canson, Ingres y Fabriano, pero hay una gran variedad. Los papeles pueden ser de color blanco (clásico) o con color. El papel puede ser satinado, no satinado, más o menos absorvente, de grosor mayor o menor, etc, y debemos escogerlo según la especialidad de dibujo que vayamos a realizar.
4. *Difuminos, para difuminar el trazo del lápiz o carbón.
5. *Esponjas, pañuelos de lana, trapos, para limpiar y difuminar.
6. *Cutter y sacapuntas, para preparar los lápices.
7. *Cinta adhesiva para papel para reservas o para fijar el papel.
8. *Reglas, tanto rígidas como cuerdas flexibles, para tomar medidas y crear cuadrículas.
9. Fijativo para que el dibujo no se desprenda del papel una vez finalizado o por fases de dibujo que se van fijando.
10. Goma de borrar, para corregir o sacar luces al carboncillo.

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  Alfabetividad visual

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  Técnicas de pintura

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  Materiales de arte

• Las técnicas de pintura se pueden dividir en grandes grupos.
  Por el medio en el cual se diluyen los diferentes materiales para pintar:
  
  Óleos: Cuando el vehículo empleado son óleos.
  Acuarela y témperas: Cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas.
  Cera o incáustica (o encáustica): Cuando el vehículo son ceras que normalmente se usan calientes.
  Acrílicos: Cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos.
  Pastel Cuando se pinta con tizas de colores
  Temple Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.
  Técnicas mixtas: Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra.

     
 
El óleo es una técnica pictórica consistente en mezclar los pigmentos con un aglutinante a base de aceites, normalmente de origen vegetal. Por extensión, se denominan óleos a las pinturas ejecutadas mediante esta técnica, que admite soportes de muy variada naturaleza: metal, madera, piedra, marfil, aunque lo más habitual es que sea aplicado sobre lienzo o tabla.

Academia.

Una academia es un boceto o croquis sobre la figura del cuerpo humano, dentro del género del desnudo artístico. Es una de las bases del dibujo académico, impartido por las academias de bellas artes prácticamente desde la aparición de las primeras instituciones de arte entre los siglos XVI y XVIII.

Las academias suelen estar realizadas al carboncillo, con gran detallismo y fijándose especialmente en el modelado de luces y sombras. Por lo general, se emplea la técnica del sombreado, extendiendo las manchas iniciales del carboncillo con un trapo, para conseguir un primer grupo de bloques en claroscuro; luego se aplica un difumino para acabar de elaborar la figura, abriendo blancos si es necesario con goma maleable. También se puede aplicar tiza o creta blanca para realzar el volumen, mientras que otros artistas prefieren la aplicación de cretas de colores —de los que los más habituales son siena, sepia y sanguina—. También se puede dibujar a tinta con plumilla o caña.

Efecto Droste 

El efecto Droste se presenta en una clase específica de imagen recursiva. Una imagen que exhibe el efecto Droste incluye dentro de ella una versión de menor tamaño de sí misma, la que a su vez incluye en un lugar similar una versión aún más pequeña de sí misma, y así sucesivamente. Sólo en teoría puede continuarse esta inclusión con reducción, una dentro de otra, pues en la práctica está limitada por la resolución de que es capaz la técnica de impresión que se emplee para las imágenes, ya que cada iteración reduce exponencialmente el tamaño de la imagen.